"El teatro mata" psicología y drama

El teatro mata nos presenta a un personaje de ficción que representa el pensamiento del protagonista, mismo que es un ser dedicado al teatro cómo actor y director y que se encuentra en un parque esperando a un ex amigo que le comprara boletos para la proxima presentación teatral que tendra el protagonista. El otro actor principal es su propio pensamiento, mismo que funciona a manera de un doble o un dopperanger que lo impreca a emprender otro tipo de conductas ya que el personaje humano es muy orgulloso y se cree muy autosuficiente, tiene hambre y no quiere pedir comida, necesita dinero y no quiere pedir prestado y por todo esto el pensamiento lo regaña y le señala sus defectos, pero el personaje no quiere cambiar. Así, la trama principal de la representacion dramatica se basa en este juego dialectico que hay entre el pensamiento y el personaje principal. El personaje principal apenas tiene sus cigarros mientras aguarda a ese ex amigo suyo que lo podra salvar en ese día si es que llega y le compra los boletos para la presentación dramática, mientras espera se topa a una violinista que no ha podido ser profesional debido a que padece de epilepsia y se hacen amigos, tambien conoce a una pareja indigente, luego conoce a un estudiante gay que lo invita a comer a su casa pero el actor no quiere a pesar de tener mucha hambre y debido a ese orgullo que pretende mostrar, despues se topa a una sirvienta que a su ves le coquetea y que también lo invita a comer pero que rechaza por la posible llegada de su ex amigo, por ultimo aparece su ex amigo para comprarle los boletos pero este no trae el dinero acordado y le pide al protagonista que le acompañe al banco pero este rechaza la invitación por ese orgullo y autosuficiencia y le da los boletos sin recibir ningun dinero a cambio. Por último el protagonista se queda leyendo y fumando en la banca cuando de repente muere y solo queda la voz del pensamiento lamentandose.

"Baños Roma" documental y representación dramática

Baños Roma, es una obra muy particular ya que es un documental hecho teatro, los personajes son reales y son los mismos que hicieron el documental, este rasgo podria verse cómo metateatral debido al caracter representativo del documental. El documental gira en torno a una investigación que iniciaron estos personajes sobre el paredero de gran boxeador Mantequilla Napoles, uno de los protagonistas cuando era niño encontró una fotonovela donde salía su mama en compañía de este boxeador, así, este niño se convierte en boxeador por admirar a aquel hombre que sale junto a su mama, y ya de adulto decide emprender la busqueda de aquel boxeador. Este personaje se entera de que vive en ciudad Juarez por lo que decide ir a buscarlo a esa ciudad y se dirige a la ciudad con todo el equipo tecnico necesario para hacer ese documental que tendra cómo fin la representacion dramática. Este grupo tecnico durante la representación dramatica no solo narra sino dramatiza sus experiencias de busquedas, encuentros y entrevistas con este ser mitologico, y así, enmarcan este bagaje experiencial en un todo organico y conjunto para ser representado en el escenario. Entrevistan al mismo Mantequilla Napoles, a su esposa y a otras personas que lo rodeaban, se nos brindan estadisticas, luchas, historias, sentimientos, pensamientos, vida, relaciones, y amor del boxeador. Es una obra muy entretenida, muy dinámica, y muy espectacular, que maneja música, proyecciones, danzas, cantos, entrevistas, declaraciones, y muchas otras cosas. En si esta obra me pareció muy bien lograda y muy original ya que nunca había asistido a una representación dramática de este tipo, osea relacionada con el genero documental.

El ornitorrinco

Intentando ser un reflejo de las problemáticas que se observan en la comunidad de los más jóvenes, El ornitorrinco presenta la interrelación de sus cuatro figuras femeninas, personajes que no sólo comparten el departamento, sino también sus inquietudes y primeras pulsiones, que Freud denominaría como el principio del placer, pero que finalmente colisionan contra el principio de realidad; es decir, lo socialmente correcto. Otra de las características esenciales de esta obra, es la tentativa que tiene de ser considerada como un objeto de vanguardia: los actores y espectadores ocupan el mismo espacio, se utilizan recursos multimedia, como la proyección de un video a mitad de la obra, y se tocan temas que pudieran resultar escandalosos, como el enamoramiento entre los personajes y el compartir las cuatro a una sola pareja, que es su instructor de baile. Sobre la disposición del espacio escénico, puede decirse que intenta agotar su contenido simbólico. La primera escena se realiza en la primera sección del escenario y la segunda al fondo de este; trazado que da cuenta de la profundidad a la que pretende acceder la obra. El título del texto se menciona durante el desarrollo: es el nombre de un antro en el que se reúnen los personajes y es una de las respuestas a un juego de cartas. En la obra se significa sobre todo por esto último: las protagonistas, luego que se han dedicado a tomar y a confesarse sus secretos dentro de una pequeña alberca, deciden jugar a preguntas y respuestas. Una de aquellas es responder cuál es el nombre del animal que responde a la descripción del ornitorrinco, especie descrita como informe e inútil. Y quizá esta sea la intención de la puesta en escena, presentar una obra que aparentemente no tiene sentido, que no funciona ni como texto literario ni como representación, y que se significa en el simbolismo del animal que le da nombre.

"La noche de Hernan Cortés"

En La noche de Hernán Cortés de Vicente Leñero encontramos un drama histórico enmarcado dentro de cuatro tiempos y espacios diferentes que también son momentos históricos. El primeo de ellos es en Sevilla y muestra a Hernán Cortes ya viejo haciendo digresiones referentes a una historia escrita a través de una focalización propia a la visión de él mismo y que es escrita por su secretario. Después de este primer escenario la imaginación de Cortés nos lleva a otros lugares tales como Coyoacán, Cempoala, y Cuba. En Coyoacan se realiza la historia del tiempo en que Catalina su esposa ha llegado con él y muere, mientras que por el otro lado Marina o Malintzin espera un hijo de Cortés. En Cempoala sucede el tiempo en que Cortes arriba al puerto de Veracruz, de cuando Malintzin le fue entregada como sirviente, lugar en el que derribe uno de los Ídolos prehispánicos. El otro lugar es Cuba y ahí acontece su época de juventud, lugar desde el cual empieza a hacer sus planes de conquista, y en el cual se muestra un Cortés muy diferente a los otros.

Esta simultaneidad de tiempos vuelve a esta obra de teatro muy diferente a otras, esta simultaneidad no ya solo de tiempos sino de escenarios la vuelve muy particular, esta forma de narración permite mostrar no simplemente una colisión dramática, sino varias, ya que se muestran cuatro historias distintas en una sola. Esta capacidad de maniobrar la historia no como lineal sino de forma analéptica y probetica en el escenario permite que los espectadores tengan no ya sola una visión unilineal de los hechos históricos sino multilineal, a través de las diversas focalizaciones y puntos de vista que maneja la obra. También, gracias a este hecho de que los diversos espacios y tiempos sean representados como uno solo y siendo simultáneos la puesta en escena de la obra pienso que ha de haber ganado muchos adeptos solo por el hecho de manejar una gran cantidad de recursos espectaculares.

Visión en "Águila y Sol" de Sabina Berman

Esta obra de teatro callejero tiene una visión muy diferente al de otras obras debido a que en este tipo de  teatro el espectador puede llegar a tener un visión en movimiento de todo lo representado, este grado de observación permite al espectador tener una visión dinámica de los hechos y no solo unidireccional como sucede en un escenario teatral.

García Barrientos en su libro teórico menciona esta capacidad del teatro de poder jugar con el distanciamiento focal para así lograr alguna ilusión y efecto adecuados para alguna escena. En este caso el gran gancho para lograr captar la atención del espectador es el humor y el dinamismo ya que no es un escenario fijo sino dinámico, esta situación no deja de lado aspectos históricos y dramáticos pero está hecha para ser desplegada de una manera más vital y espontanea. Los vestuarios no son muy opulentos y la escenografía es casi nula.

eEste movimiento de los actores entre el público permite que los espectadores tengan una mayor interacción con ellos y que se identifiquen más con los personajes al estar posicionados ambos en un mismo plano espacial y temporal. Esta identificación crea a su vez un mayor ilusionismo de realidad y representación a que cuando una obra es representada a un mayor distanciamiento.

Gracias a estos puntos podemos decir que Sabina Berman logra una gran innovación en cuanto a la visión y perspectivas que se manejan en esta modalidad del teatro llamado callejero.

¨Corona de fuego¨ de Usigli, y su colisión dramatica

Según Lucaks todo acto trágico y social tiene en su fondo lo que él llama una colisión dramática, que es aquel suceso o evento al cual se encamina la historia. En corona de fuego esta colisión dramática es el asesinato de Cuauhtemoc, suceso que también es llamado la noche de anahuac. Este suceso carga tras de si una serie de acontecimientos histórico-sociales muy importantes para la colonia tales como la unión de los diferentes reinos que se circunscribían a la región de Anahuac en uno solo teniendo cómo centro a una nueva ciudad que sería erigida encima de Tenochtitlan. Para los de Acoyán, región en la cual suceden los hechos, es importante tener un aliado de más poder así que decide darle la espalda a Cuauhtemoc y unirse a Cortés. Este conflicto histórico de la nación mexicana por unir los reinos en uno solo ya lo vimos tratado en ¨Los enemigos¨ de Sergio Magaña, y por lo tanto podemos aducir que no es sino hasta el arribo de los españoles que estará medianamente establecido este reino o mas bien imperio.

Así, la colisión dramática de este texto tiene como base la disputa territorial por conformar un imperio, los aztecas venían dando lugar a ese nuevo imperio mexicano, pero con la conquista se pierde y pasa a nuevas manos, lo más curioso es que las tribus que no daban tributo a los aztecas y que permanecían en las periferias si quisieran unirse a los españoles.

Los personajes principales que rodean a ¨Corona de fuego¨ son Malina, Cortés llamado Malinche, Cuauhtemoc, y el gobernador de Acoyán. Malina o Malintzin dramatiza ser una mujer elegida por los dioses para dar luz a una nueva raza, pretexto para hacerse del poder y del reinado del nuevo imperio. Cortés por su parte juega un papel de varias máscaras, una que se pone frente a los de Acollán, otra que se pone frente a Cuauhtemoc, otra que se pone frente a Malina, otra que se pone frente a sus súbditos, todas estas mascaras hacen ver a Cortes cómo un ser capaz de hacer  todo lo necesario por conseguir el poder de una manera maquiavelica. Cuauhtemoc es un personaje mártir en el cual recae toda la verdad del imperio mexicano y de la colonia. Y por último el gobernador de Acoyán, pareciera ser que es el último que pudiera hacer cambiar la historia en favor del pueblo nahuatl y maya pero decide aliarse a Cortés y de esa manera facilita la colonización.

"La Malinche" de Gorostiza, ¨política, teatro y religión¨.

 Según el libro teórico teatral de Verséngy todo acto político es una dramatización, una puesta en escena, que pretende dar cuenta de una serie de hechos por realizar, realizados o que están sucediendo y que a su vez se vuelven religión. En la "Malinche" de Gorostiza observamos mucho esta triada de conceptos debido a que en el centro de la obra vemos como Malintzin y Cortés hacen un pacto político que les asegurara el reinado de la nueva Tenochtitlan que a su vez abarcara todos los reinos subyacentes a este centro que pretende llegar a ser cosmopolita. 

Gracias al pacto de Cortés y Malintzin se empiezan a fraguar varios actos políticos que a su vez serán teatrales y religiosos, en este caso observamos como gracias a la creencia religiosa acerca del regreso de Quetzalcóatl de los prehispánicos fue posible hacer más fácil la conquista, Cortés y Malintzin utilizan esta creencia a su favor y de esta manera logran atraer a las masas en obediencia.

Luego, con respecto a los actos políticos observamos cómo Cortés y Malintzin tienen que hacer tratos políticos con Cuauhtémoc para de esa manera tener más allegados y ganarse el respeto de las tribus que están a favor del último emperador Cuauhtémoc, de esta manera todos los actos perpetrados por Cortés y Malintzin tienen una gran carga política debido a que esta es la única forma de lograr obtener el poder supremo en ese nuevo mundo que acababa de surgir.

Respecto al acto teatral vemos que estos dos personajes principales tienen que acudir reiteradamente al arte dramático para dará mayor énfasis y verosimilitud a sus intenciones políticas que son encubiertas por una serie de máscaras como el amor, la compasión, la tradición, la religión, etc., pero en el fondo no hay más que una intención de poder.

Todo esto anterior ya conglomerado da cómo resultado una obra teatral muy bien lograda tanto en sus aspectos espectaculares cómo dramáticos, políticos e históricos.

¨Tezozomoc¨ Tlacaelel como mente de ficción.

En Tezozmoc de Luis Moncada observamos una lucha política por el espacio total que rodea a Texcoco, en tiempos anteriores a la conquista. Esta lucha pretende unir a los reinos en uno solo y estará a cargo del que muestre ser mas fuerte, así, se enfrentara Nezhualcoyotl contra Tecpatl y su nuevo marido.

En este trance aparece un tlatoani llamado Tlacaelel, sacerdote de Tlaloc, que proclama una maldición en contra del padre de Tecpatl debido a que se llevo a la gente que estaba a cargo de la cosecha para hacer guerra a los pueblos vecinos, y dejó de pagar el debido tributo a Tlaloc y a la cosecha.

Tlacaelel de esta forma convence al marido Tecpatl para inciar una conspiración en contra del padre de Tecpatl para que se quede sin gobernar los reynos, esto anunciando la muerte de Nezahualcoyotl. que aún no acontece, para de esa manera aglomerar a la gente en contra de los que aprehendieron a Nezahualcoyotl, debido a que la gente le tiene gran aprecio a este hombre que se supone ser el rey legitimo de esas tierras.

Talcaelel es una mente de ficción como menciona Dancygier en su libro ¨The language of stories¨, este personaje aparece en varios textos históricos, dramáticos y literarios, en este curso primeramente lo vimos aparecer en ¨la guerra de las gordas¨, luego ahora vuelve aparecer y vemos que en los dos textos cumple la misma función de sacerdote y consejero de reyes.

La historia considera a Tlacaelel como aquel que invento los mitos aztecas para organizar a su pueblo bajo una misma religión, así, aunque no es el rey mismo su figura tiene una gran importancia debido a que bajo su autoridad se encuntran subyugados los mismo reyes. De esta manera Tlacaelel en Tezozomoc logra convencer al marido de Tecpatl para conspirar en contra de sus enemigos.

Así pues, Tlacaelel es una mente de ficción a la cual se recurre constantemente para fundamentar la historia dentro de un marco mas congruente y verosímil, la historia lo considera el fundador de la religión azteca y por esto es indispensable utilizar si figura dentro de esas historias prehispánicas de tema azteca.

¨El burlador de Tirso¨ realidad, ficción, y creación

Partiendo de una de las tesis principales de Tordera, de que todo en el teatro es texto y representación, y aduciendo que en el texto espectacular siempre va ver un texto de fondo que le sustente, ya sea el cuaderno de dirección o el texto dramático. Este texto aparte de representar algo ya en si mismo es necesario que se vuelva a representar de manera escénica y espectacular a través del performance que es el acto mismo de la representación en su devenir más puro, que es supuesto como sucediendo en su complejidad fenomenológica simultáneamente en un presente, ese algo a lo que se le llama acto en vivo. En la modernidad suelen grabarse estos actos que suceden en vivo, así, cambiando de formato tienden estas grabaciones a ser consideradas a su vez como textos. Por lo tanto este dialogo entre texto y representación se vuelve un incesante movimiento dialógico.

En ¨El burlador de Tirso¨ encontramos un fenomeno de metateatralidad muy sugerente a esta cuestión del texto y la representación que se sugiere en la teoría teatral de Tordera, en este caso particular nos encontramos con que no ay solo un texto dramático base para la representación, sino que tenemos dos textos base a representar, el de ¨El burlador de sevilla¨ de Tirso de Molina y otro texto de teoría literaria basado en una idea teatral muy en boga de Bernard Shaw que suponese ser el marco de representabilidad que pretenden alcanzar los acatantes para montar la obra en cuestión. Estos textos son montados en un texto dramático metateatral como iguales y diferentes pero que logran un producto tercero ya muy diferente a los dos. Este proceso creativo necesario para montar una obra basada en algo clásico con nuevos matices de interpretación y producción de significado proporciona ya no una sola mirada de los objetos, sino que los objetos  pueden ser vistos desde diferentes dimensiones, una que se supone real, otra que se supone ficticia, y por ultimo otra que se supone creativa. Todo esto en cuestión le da un nuevo fundamento a los textos y crea un texto nuevo y diferente.